La efervescencia del bounce, las fusiones de electrónica, y el trance fue perceptible durante 2025. Se hablaba del Tribe de PETERBLUE, el formato F2F, y los tracks de artistas colombianos que eran apoyados por artistas del circuito europeo. Este fenómeno no era nuevo en el contexto del rave bogotano, pero si había un nuevo aire en los nombres que estaban compartiendo música, armando giras, y tocando en plataformas.
NO ONE, DJ Kinner, NORO$T, ØSLO y SAI se ganaron una plaza en el Baum Festival con ritmos de alto pulso que marcaron tendencia en el último año. Su campaña tuvo mérito individual, pero sus acciones parecían parte de un plan conjunto que, a pesar de sonar distinto reflejaba una misma causa: vivir de la música hecha en Colombia y forjada en SoundCloud.
Esta entrevista múltiple es un espacio para identificar perspectivas sobre tendencias comunicativas, producción musical, dinámicas del circuito global, y por supuesto, la merecida participación de estos talentos en el Baum Festival #11
¿Qué apreciaciones tienes sobre el movimiento trance en Colombia?
Oslo: En el espectro de Colombia, siento que todo está centralizado en Bogotá. Acá estamos familiarizados con el sonido y sus variantes, pero ahora mismo está pegado un estilo muy contundente, tirando hacia el hard trance o hard dance. Eso es lo que más está sonando, tanto en Bogotá como en otras ciudades: Medellín, Cali, Neiva e Ibagué.
Por otra parte, están estos sonidos más melancólicos, armoniosos o sentimentales. No es que el público no los reciba bien, pero me parece que acá las personas están muy acostumbradas al estalle. En ese sentido, esos temas suelen funcionar bien, pero en momentos específicos y no tan prolongados.
Funk Tribu tuvo un papel muy importante en este movimiento porque llegó a esas ligas con estos géneros y nos abrió la brecha para poder mostrar nuestra propuesta a un nivel grande. Y ha hecho que las personas estén más familiarizadas con este sonido y que lo acepten con más pertenencia.
El bounce ha sido una tendencia que ha resonado en 2026, ¿Crees que seguirá siendo relevante en el Baum Festival?
NO ONE: Yo creo que en general los géneros en tendencia si ocuparan un espacio a futuro en los grandes festivales en el país porque la industria requiere de ellos para acercar a nuevos oyentes y nuevas generaciones, creo que es una forma de acercar el festival a diferentes públicos. Así como yo inicié en este mundo en mi adolescencia con el Trance que sonaba en la radio, con seguridad existe público que se sentirán identificados con el sonido del bounce que les brinda las redes sociales.
¿Por qué te identificas con estilos como el trance o el eurodance?
DJ KINNER: Soy un nostálgico, siempre me ha gustado la parte emocional de la música. siento que el trance y el eurodance tienen una capacidad muy única de crear melodías que realmente
te hacen sentir emociones profundas como amor, felicidad y melancolía. al final, es todo un viaje de emociones
¿Cómo ha sido la recepción de la audiencia local hacia las fusiones y la propuesta que desarrollas?
SAI: La recepción ha sido muy bonita porque la gente conecta mucho con la energía y con lo diferente. En Bogotá hay una escena abierta a experimentar y eso ha permitido que propuestas rápidas, latinas y más pachangueras tengan espacio dentro de la fiesta. Mucha gente se sorprende cuando escucha elementos brasileños, vocales latinas o grooves más “calle” mezclados con hard bounce o hard groove, pero precisamente esa mezcla hace que el público lo viva de una forma muy emocional y bailable. También siento que cada vez hay más personas buscando propuestas con identidad propia y no solamente replicar sonidos europeos.
¿Qué representan los ritmos rápidos hechos en Latinoamérica para un escenario como el Baum Fest? Teniendo en cuenta que antes predominaban géneros del norte global con tempo más lento.
NORO$T: Esto nos demuestra que cada vez hay más público para este tipo de eventos de electrónica. Antes el público era más segmentado, pero estos géneros que incluyen reggaetón o guaracha hacen que las personas se sientan más conectadas, porque tienen ritmos de cumbia o cosas con las que han crecido. Hay un aliciente de que la escena cambia según los gustos de la población.
Pensando en relación a lo latino y a nuestras raíces, hay una afinidad natural hacia los ritmos rápidos: un merengue es rápido, una salsa es rápida, mucha de la música latina viene siendo rápida. Esta fusión que se está generando con el techno es algo novedoso para los europeos, y los festivales lo han estado adaptando, teniendo más apertura hacia lo latino y hacia este nuevo mercado.
HÖR es un punto de referencia e inflexión para muchxs artistas nacionales. ¿Es factible decir que dependemos de plataformas del norte global para darnos un lugar en nuestra propia escena?
ØSLO: Es una pregunta muy buena y es una realidad que se está viviendo actualmente. Lo podemos poner a rasgos generales de la validación externa y la influencia del circuito europeo. En mi caso en HÖR si es un antes y un después, uno llega a estas plataformas y lo que se percibe en nuestro país es que ya estás en un punto en el que eres «profesional». Si hubieramos hecho la gira el año pasado y no hubiera estado el HÖR de pronto el trato no sería igual, porque si se siente una diferencia en como te perciben el publico y promotores, es un check que si lo tienes la gente ya dice breve, chimba jaja.
Seguimos dependiendo mucho de esta validación de lo que pasa afuera y como al volver te perciben distinto, desafortunadamente no sé si nuestra carrera hubiese sido igual sin la transmisión en HÖR, pero en definitiva fue un factor que hizo que nuestra carrera se impulsara en Colombia. No sé si debería ser así o no, porque son las plataformas que existen, y si pienso en plataformas de sudámerica no logró pensar con alguna que tenga el mismo impacto como Boiler Room, Let him cook.
No sé si sea falta de exposición o de espacios. No es obligatorio pasar por ellos, pero si te dan un nombre y un peso distinto.
¿Qué influencia puede tener la cultura musical de Colombia en propuestas de electrónica que son originarias del norte global?
NO ONE: La música de bpms acelerados existe desde los 90’s solo que ahora tiene voz en nuestro territorio y se ha ido mezclando con nuestros ritmos, melodías y visión, ha encontrado una narrativa diferente de como ser contada y esto es lo que creo que ha hecho significativo que ahora también nos pertenezcan las formas de crearlo.
Varixs artistas de música electrónica están teniendo un rol de creadores de contenido para reels (short form video). ¿Cómo explorar esta posibilidad sin perder el norte artístico?
DJ Kinner: Hoy en día es inevitable que muchos artistas terminen creando contenido corto, porque es la forma más directa de conectar con la gente. pero siento que el problema empieza cuando ese contenido se vuelve más importante que la música. Para mí, la clave está en usar los reels como una extensión del proyecto artístico y no como algo hecho solo para ser viral.
¿Por qué las voces se han convertido en un elemento fundamental en los tracks y sets de la electrónica rave? Es muy extraño ver tracks que no las tengan.
SAI: Las vocales ayudan a generar una conexión emocional inmediata con la gente. En escenas rápidas y de fiesta, donde todo puede ser muy intenso y físico, las voces funcionan como un punto humano dentro del track. También ayudan a que la gente recuerde más fácilmente los temas y a que tengan algo súper pegajoso en la cabeza. Siento que es mucho más fácil retener una canción cuando tiene una frase o una vocal fuerte, porque genera memoria y personalidad. Además, hoy en día las pistas de baile están muy conectadas con internet y con plataformas como TikTok, entonces las vocales hacen que los tracks sean reconocibles, compartibles y memorables…tanto dentro como por fuera de la pista.
¿Qué piensan de usar tags o términos para referenciar el sonido de un proyecto, qué implicaciones puede tener? En su caso ustedes promueven el Nasty Club.
NORO$T: Es algo necesario por el consumo del público, en redes sociales subíamos nuestras canciones y mucha gente nos preguntaba cuál era nuestra música, y no puedes llegar y decirle «no, no tiene nombre». La gente necesita saber que está escuchando y aprender a describirlo, las palabras tienen mucho valor en como se segmenta el público, a mucha gente no le gusta la palabra guaracha o el salchipapeo, quisimos perfilar algo para tener la aceptación general del público. Las palabras tienen poder.
El nasty club es una ola que queremos liderar con amplitud y sonidos de club cochinos, no se remite solamente a un ritmo, percusión o guacharaca. Es un techno amplio, sin reglas, producciones que queremos disfrutar.
¿Durante años has tenido una carrera sobresaliente como DJ y manejas bien lo que se conoce como curva. ¿Cómo te sientes al tocar tus propias producciones?
NO ONE: Para mi es una sensación extraña de describir porque estás muy emocionado por sonar tu música, pero al tiempo me pongo un poco nervioso porque siento que la construcción musical es un proceso muy intimo y casi que estas desnudando tu técnica, tus emociones, tu visión del mundo. De hecho, cuando escucho sonar mi música en contextos fuera de la pista de baile como por ejemplo el gimnasio porque otros la reproducen, me pongo un poco nervioso.
¿Qué impresión tienes sobre el formato F2F? ¿Realmente es una experiencia distinta a la de un B2B?
DJ KINNER: En un f2f hay más riesgo, más interacción y más improvisación. Todo depende mucho de la conexión musical que tengas con la otra persona. pero al final, ambos formatos tienen su magia y funcionan de maneras distintas.
¿Qué contrastes pueden haber entre tocar en el club y tocar en un festival?
ØSLO: El club se llega ha sentir más personal con las miradas de la gente y el calor, el espacio es más cerrado y el sonido se siente envolvente. En un festival (no solamente de electrónica) es muy complicado llegar a ver a todos los artistas; hay cruces, te da hambre, los espacios entre escenarios son largos.
Desde lo personal me gusta más tocar en club porque la energía transcurre diferente. Pero estar en un festival y tocar es una experiencia especial, así no haya tocado en muchos festivales siendo sincero. Y uno como DJ también debe ajustarse a eso. Por ejemplo, en un club hay una línea clara desde el warm up hasta el cierre, en un festival eso se puede ir al carajo eventualmente porque cada artista está enfocado en mostrar lo que necesita mostrar dado que los sets son más cortos. Mientras que en un club puedes tener un extended de cuatro horas y más posibilidades de explorar
Pero son experiencias diferentes. Ambas me gustan y son necesarias.
¿Qué artistas femeninas son referentes para el movimiento de la electrónica rápida?
SAI: Hay muchas mujeres increíbles aportando al movimiento desde diferentes lugares. Personalmente, me inspiran mucho artistas como Serafina y OTTA dentro de la electrónica rápida por la energía y personalidad que llevan a sus proyectos. Y en cuanto a la guaracha y los sonidos latinos, siento que mujeres como Lina Pary y Puppy Sierna están marcando un momento muy importante para la escena en Colombia. Me inspira mucho ver mujeres construyendo propuestas propias y llevando sonidos latinos y rápidos a espacios grandes.
Muchos artistas han construido una audiencia y han tenido alcance por la producción de edits, con música que no tiene autoría total de ellxs. ¿Qué aprecian de esa tendencia?
NORO$T: La nostalgia tiene mucho que ver. Es una herramienta para generar un público porque no depende de mostrarle algo nuevo a la gente sino llegarle con lo que ya conocen. La gente quiere escuchar un poco lo que le recuerda a cosas y le genera momentos en su cabeza de algo que ya vivieron; su infancia cuando escuchaban reggaetón o cuando sonaba una canción colombiana. Es una herramienta que engancha al público más rápido que estar sacando canciones originales.
¿Qué piensas de resaltar un color en las comunicaciones visuales de un proyecto artístico? En tu caso es el naranja.
NO ONE: Ha sido mi manera de conectarme emocionalmente con las personas que siguen mi trabajo, es un color que me representa y me ha acompañado siempre, lo siento tan cercano a mi como mi música, de hecho, hay una obra (instalación) de un artista plástico que cada vez que me preguntan por el color lo tengo como referencia, The Weather Project de Olafur Eliasson. Además, nos ha permitido como equipo crear marca y cercanía, en muchas ocasiones alguien ve algo naranja y hace el comentario de “esto es muy NO ONE”.
¿Cómo ha sido la experiencia de crecer profesionalmente junto a otro colega como Oslo/Dj Kinner?
DJ KINNER: Ha sido algo muy especial y no puedo estar más agradecido con la vida por poder crear algo desde cero con un hermano como lo es él. trabajar con Oslo es diferente porque las ideas fluyen muy natural. ambos nos movemos por las mismas cosas, queremos lo mejor para nuestros proyectos y, más allá de todo eso, somos amigos que realmente se parchan el proceso.
ØSLO: Con él nos conocimos hace rato en la universidad estudiando música; él estudiaba canto y yo guitarra. Nos dejamos de hablar un buen rato y volvimos a conectar a través de la música electrónica, y todo ha sido una locura. Yo realmente no pensaba que fuéramos a hacer tantas cosas e irnos a Europa los dos durante un mes, donde nuestra única compañía era el otro. Allá cruzamos resto de pruebas y un montón de experiencias que no teníamos en mente; tuvimos un accidente y ahí fue donde forjamos mucho la amistad.
Siempre hemos priorizado la amistad entre los dos e inconscientemente pensamos lo mejor para ambos. Tenemos nuestro proyecto por separado, pero ya la gente nos empieza a percibir como uno solo. Eso ha sido bonito, me ha ayudado con mis temas y mis sets, y hemos crecido y consolidado un sonido propio. Ese crecimiento es bonito y necesario; yo no hubiera logrado esto si no hubiera sido por él. Por ahora tenemos muchas ganas de seguir dándole, y lograr un espacio en el Baum es una felicidad grande para los dos.
¿En qué países de Latinoamérica podría haber consonancia con la música que haces?
SAI: Países como Mexico, Argentina y Chile podrían conectar muchísimo con mi música porque tienen escenas muy apasionadas y abiertas a sonidos rápidos, vocales intensas y fusiones latinas. Hace poco estuve en Chile y la energía allá fue increíble; mucha gente me decía que les encantaba la guaracha y que la historia de la guaracha allá es muy parecida a la de Colombia, porque también se ha diversificado muchísimo. Cada vez hay una conexión más fuerte entre las escenas latinas y una búsqueda de propuestas más emocionales, rápidas y con identidad propia.
¿Cuáles escenas han sido claves para ustedes a nivel Latinoamérica? Chile los ha recibido muy bien por lo visto.
NORO$ST: Chile es nuestro segundo país con más escuchas, lo que pasó en Santiago fue algo increíble, nuestro primer Sold out internacional con 3.000 personas. Otra ciudad importante es Cali, se nos ha mostrado mucho amor y mucha cultura, allá hicimos algo muy cool empezando con un edit de «oiga mira vea», aquí está en Cali para que vea». Y también Medellín.
Nos han abierto las puertas en estos lugares, pero hemos sentido un reconocimiento y una energía especial para disfrutar una fiesta en Santiago de Chile. También es por el público, es muy abierto a muchos sonidos.
¿Cómo te sientes para compartir tu música en el Baum Fest #11?
NO ONE: Emocionado y también muy nostálgico, porque sin duda hace parte de un sueño por el que venimos trabajando hace ya 5 años. Mi carrera se ha desarrollado muy de la mano de mi territorio poder tener mi música en los escenarios más grandes de mi país me hace sentir una enorme satisfacción porque es una narrativa por la cual trabajo mucho: ser artista local es una voz escuchada con amor en nuestro país.
ØSLO: Me siento nervioso y feliz de haber llegado a este espacio con la música que más me gusta. Va a ser un punto de quiebre en la carrera, pensar en que estoy en el cartel después de estar tres años en esto es algo surreal. Hemos pasado por muchas experiencias donde digo «ya quiero dejar de hacer esta vuelta», pero estos momentos dan motivación y estoy muy orgulloso. Desde el principio tuve claro que me gustaba el trance y cosas grooveras, es muy bonito ver el apoyo de la gente. No nos la creemos a veces, estoy muy agradecido.
DJ KINNER: Es un mix de emociones. Es la primera vez que el set se va a mover principalmente alrededor de nuestras producciones, y eso lo hace muy especial para nosotros. queremos llevar un sonido y una emoción única a la pista ese día, inspirados por los sonidos que nos han marcado desde que empezamos hace unos años hasta hoy 🙂
SAI: Me siento nerviosa, pero también emocionada. Baum Festival #11 es un festival muy importante para mí porque las primeras veces que fui, fui con mis papás, y ahora poder llevarlos nuevamente, pero esta vez siendo parte del lineup, significa muchísimo. Poder recompensarles de alguna forma todo el apoyo que me han dado durante mi proceso y que nunca hayan desconfiado de mí ni de lo que hago me llena demasiado el corazón.
También es súper satisfactorio poder compartir mi sonido en un espacio tan importante. Estoy muy agradecida por la oportunidad y tengo muchas ganas de estrenar música nueva. Pero, sobre todo, espero que esta edición también sirva para demostrar que el talento nacional tiene muchísimo nivel y que los artistas locales podemos mover masas, crear cultura y hacer que haya fila incluso antes de que abra el festival.
NORO$T: Estamos muy emocionados, es la primera vez que tocamos en un escenario TAN grande y en un stage tan importante como el de Face 2 Face. Nuestro set va a ser casi todo de nuestras canciones, es demasiado lindo hacer su música en la casa y poder ir a un festival con esos parlantes gigantes y ver a la gente gritar enloquecida. Ya habíamos tenido una satisfacción porque muchos de lo DJs con los que vamos a compartir tarima han hecho support de nuestras canciones pero no hay nada más gratificante que podamos tocar nuestra propia música, conectar, y ver la reacción de la gente escuchando nuestra música. Eso es lo más valioso.
*Colaboración y redacción: Víctor Lara, Comunicador Social y Periodista de la Universidad de la Universidad Externado de Colombia. Label Manager del sello Plasmodia e integrante de la mesa editorial de M.A.A.S desde 2021.
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